Julian and Subtraction Cutting – part 1

Julian Roberts
Julian Roberts

(segue in italiano)

Julian Roberts is a british fashion designer is the inventor of a garment pattern cutting method called ‘Subtraction Cutting’ and goes around the world on tour to demonstrate his technique.
He became Professor at the University of Hertfordshire (Hatfield) in July 2004 at the age of 33 becoming the youngest professor in the UK and now lectures at MA Mixed Media Textile at the Royal College of Art in London.
Subtraction Cutting is about designing with patterns, rather than creating patterns for designs and its basic premise is that the patterns cut do not represent the garments outward shape, but rather the negative spaces within the garment that make them hollow.

I interviewed him some days ago to discover a bit more about his approach and explore his point of view on  some other topics. Here’s the first part of the interview.

Zoe Romano – How would you describe Subtraction Cutting to someone who doesn’t know much about patterns but loves fashion ?

Julian Roberts –  Before you buy a garment and wear it,  it will have been touched by many skillful hands, but often the hand that touches it the LEAST is the hand of the fashion designer.
Design is too often staged, managed and made remote from manufacture: cutting and sewing is delegated or kept at arms length, far away from the glamourous boutiques and catwalk, the showroom or design studio. Sometimes it even happens abroad somewhere, in places we’d rather not visit or talk about.

I use Subtraction Cutting to show how design, cutting, sewing, visual promotion and trading can all link back up together closely, and prove the exceptional creativity within this extended manufacture process.

Subtraction Cutting is ‘designing in patterns’, rather than in vague illustrative drawings which become reinterpreted by other skilled cutters. It is an attempt to burst the ego bubble of fashion design by bring sewing, cutting and textiles closer together in a joined up way that respects the maker. A designer is usually the person who designs the outside view of a silhouette, and oversees the development of fit, detail placement and the balance of colour and fabrication.

I personally design the shape of the empty space within the garment, so that when you slip inside it you move through my cutting process, you are within the space i crafted, it is an inside viewpoint as much as an out. Every garment you buy is emptied of space before you wear it, flattened on a rail, or folded for display. It becomes dimentionally hollow the moment you try it on, allowing your body room to move inside.

Usually, as you slip a garment on, the view you see in the mirror is the same view the designer once drew or imagined before it was made: front facing, upright, turning to the left or right, perhaps doing a twirl.

But the viewpoint I design from is more likely to be above your head, looking down from an aerial view, or spiraling around the body. Subtraction Cutting is a moving, changeable viewpoint, an experimental method of making hollow shapes that allows for surpise discovery, risk and error. Sometimes when you go wrong, the really interesting design happens. You start to invent shapes that aren’t retro inspired or emulative of past or current styles.

Anyone can learn Subtraction Cutting in a few hours, including the customer. I want the wearer to not only own the garment, but also to be aware of how it is constructed and made, and perhaps even be inspired to try making their own version if they so wish. Sub-Cut garments can therefore be self-replicating.  The design secrets are exposed and open to exploration. It’s open source once you are shown the garments insides and its manufacture history.

It’s exciting to make your own style and clothes. To create something unique or push a design further than it has already been taken. Try it yourself!

Julian Roberts - London Fashion week
Julian Roberts – London Fashion week

ZR –  In one of your video lectures you say that inaccurancy added to the garment can make the design better. Can you dig a bit more into this concept?

As a trained designer, your reaction to anything new and unexpected is often initially one of concern, displeasure or shock. We often dismiss, avoid or trash things that waste our time, go wrong, or which don’t quite go the way we expect. But our creative certainty and expectations can be very limiting. The more we learn and the more qualified we become, the more we try to avoid error and become critical of mistakes that may jeopardize our objectives.

If i stand up in front of a group of highly skilled Masters degree students or professionally trained designers and say “Right, let’s make a collaborative garment collection together that will be ready to show in 3 hours from now!”,  they will tend to panic and worry about what is achievable of value within such a short time frame. They will often be cautious, or uncomfortable with the idea of being rushed into decision making where results are unpredictable. They might also feel worried about failing in front of their peers.

If I repeat the same thing at a school with a group of 12 year olds, then it’s likely everyone will cheer “Yayyyy!”, because they don’t know the rules and are simply excited to be doing something different that is outside their experience. Unschooled thought is less critical, less concerned, less self-defeating.

So I am very aware that my lengthy education comes at a real price. That i must compete in a world where better ideas may emerge from non-specialist sources, more hungry than i am for profit or fame, and more skillful precisely because they are not burdained by western academic thinking, quicker on their toes to take advantage of opportunities i might miss if i try to hard to control and own all the outcomes.

Julian Roberts
Julian Roberts

ZR – As explained in The Piracy Paradox paper,  patterns in fashion are not copyrighted because copying enables designs and styles to move quickly from early adopters to the masses. The copying of designs helps fuel the incessant demand for something new and also Johanna Blakely explained how low ip protection is beneficial to the whole industry.  Last august  Senator Chuck Schumer introduced the
Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act”  to extend copyright protections to the fashion industry. What’s your opinion on copyright in fashion?

JR – Copying may well be a stimulant to the general turnover and movement of fashion and style, hightening demand and pushing designers to keep ahead of counterfeiters, but to small startup designers living on the breadline and working on shoestring budgets i understand how it can be difficult to appreciate the bigger picture, when you’re in debt putting all your resources into product development that is unprotectable.

It can seem unfair to be copied, and yet everyone is so desperate to show their work become influential and famous. As a very small designer brand, I do not care a less about the ‘whole industry’,  it can crash and burn for all I care. The larger fashion brands get, the more detouched from manufacture they become, the more they drive down production costs, and the more full of shit their marketing becomes.

What is important to me is my personal experience of designing and making, and passing ideas on. I’m happy being small, personal, direct and close to the ground. If someone else wants to make profit from my techniques then I am happy for them to try, i am not posessive with creative ideas, i want others to share and use them and make them their own.

To be continued…

Julian Roberts
Julian Roberts


Julian Roberts
Julian Roberts

Julian Roberts è uno stilista inglese, inventore di un modo per creare cartamodelli chiamata ‘Subtraction Cutting’ (taglio a sottrazione) e gira il mondo a fare dimostrazioni e corsi su questa tecnica.

E’ diventato professore alla University of Hertfordshire (Hatfield) nel luglio del 2004 all’età di 33 anni, conquistando il titolo di più giovane professore del Regno Unito e ora insegna al master Mixed Media Textile del Royal College of Art a Londra.
Subtraction Cutting significa progettare con i cartamodelli, invece che creare cartamodelli per un design. La sua premessa base è che i cartamodelli non rappresentano la forma esteriore del vestito ma piuttosto gli spazi negativi all’interno del capo, quegli spazi che lo rendono cavo.

Ho intervistato Julian qualche giorno fa per scoprire un po’ di più sul suo approccio e esplorare il suo punto di vista su altri argomenti che ci interessano. Qui di seguito trovate la prima parte dell’intervista.

Zoe Romano – Come descriveresti il Subtraction Cutting a qualcuno che non sa di cartamodelli ma adora la moda?

Julian Roberts – Prima dell’acquisto di un capo e prima che tu lo indossi tale vestito sarà toccato da molte mani capaci e quelle che l’hanno toccato meno sono proprio quelle dello stilista. Il design è troppo frequentemente costruito e gestito lontano dalla manifattura: tagliare e cucire sono delegati e mantenuti a distanza dalle sfilate e dalle vetrine glamour, dagli showroom e dagli studi di design.

Qualche volta ha luogo addirittura da qualche parte all’estero in posti che non visiteremmo o di cui parleremmo volentieri.

Io utilizzo il Subtraction Cutting per mostrare come il design, il taglio, il cucito, la promozione e il commercio possono essere strettamente collegati e provare la creatività eccezionale di questo processo di manifattura esteso.

Subtraction Cutting è “fare design nei cartamodelli”, invece che in vaghi disegni illustrati che sono interpretati da tagliatori professionisti. E’ il tentativo di far scoppiare la bolla egotica della moda portando il taglio, il cucito, il tessuto in un insieme che rispetta il maker, colui che fa.

Il designer è colui che disegna la parte esteriore della silhouette, e non bada troppo allo sviluppo della vestibilità, dei dettagli, del bilanciamento tra colore e costruzione.

Il mio stile personale consiste nel progettare la forma dello spazio vuoto del vestito, così che quando te lo infili, passi attraverso il mio taglio, sei dentro lo spazio che ho costruito. Si tratta di un punto di vista interno ma anche esterno.

Ogni abito che acquisti prima che lo indossi è svuotato di spazio, appiattito o piegato per essere mostrato. Diventa dimensionalmente incavo nel momento in cui lo indossi, creando spazio con il tuo corpo.
Di solito, quando ti infili il vestito, vedi ciò che lo stilista aveva disegnato e si era immaginato prima di essere fatto: vista di fronte, lato destro, sinistro, magari ruotando.

Ma il punto di vista da cui io progetto è più come se fossi sopra la tua testa, guardando dall’altro con una visione aerea, o muovendomi a spirale intorno al corpo.

Il Subtraction Cutting è un punto di vista che cambia e si muove, un metodo sperimentale per creare spazi vuoti che danno vita a sorprese, scoperte, rischi ed errori. Qualche volta proprio quando sbagli, prende vita il design più interessante. Inizia ad inventare forme che non sono ispirate da stili retro e non cercano di emulare stili passati o contemporanei.

Tutti possono imparare il Subtraction Cutting in poche ore, anche gli acquirenti. Voglio che chi indossa il capo non solo lo possegga, ma sia consapevole di come è stato fatto e costruito, e sia anche ispirato nel provare a crearne uno da sè, se lo desiderano. I capi Sub-Cut si possono autoreplicare. I segreti della progettazione sono visibili e aperti all’esplorazione. Diventa open-source nel momento in cui mostri le parte interne del capo e la sua storia di manufatto.
E’ eccitante creare il proprio stile e i propri vestiti. Creare qualcosa di unico o spingere un design più in là di quanto sia già stato fatto. Prova!

Julian Roberts - London Fashion week
Julian Roberts – London Fashion week

ZR – In uno dei tuoi video dici che un po’ di inaccuratezza può migliorare il design del vestito. Puoi esplorare un po’ di più questo concetto?

Ho studiato da stilista e la reazione rispetto al nuovo e all’inaspettato all’inizio si traduce spesso in preoccupazione, dispiacere e shock. Di solito respingiamo, evitiamo e buttiamo via le cose che ci fanno perdere tempo, sono sbagliate o non vanno nel modo che ci aspettavamo.
Ma la nostra certezza creativa e le nostre aspettative possono diventare molto limitanti. Più impariamo e più qualificati diventiamo, più cerchiamo di evitare l’errore e diventiamo critici rispetto agli errori che potrebbero mettere a repentaglio i nostri obiettivi.
Se mi trovassi di fronte ad un gruppo di studenti di master altamente qualificati o di fronte a designer professionisti e dicessi ” Bene, facciamo una collezione collaborativa insieme che possa essere pronta per uno show fra 3 ore da adesso!”, andrebbero in panico e si preoccuperebbero del risultato da raggiungere in quel tempo cosi’ limitato. Sarebbero cauti e non a proprio agio con l’idea di essere spinti a prendere decisioni affrettate con un risultato imprevedibile. Potrebbero anche essere preoccupati di fallire di fronte ai loro pari. Ma se ripetessi l’esperimento davanti a una classe di dodicenni, è più probabile che si mettano a esultare “Evviva!”. perchè non sanno le regole e sono semplicemente eccitati di fare qualcosa di diverso lontano dalla loro esperienza. Il pensiero non scolarizzato è meno critico, meno preoccupato, meno controproducente.

Così mi rendo conto che l’aver studiato molto implica un prezzo da pagare. Devo competere in un mondo dove le idee migliori possono giungere da fonti non specialistiche, più bramose di di fama e profitto, e quindi più capaci perchè non limitate dal pensiero accademico occidentale. Più veloci nell’approfittare delle opportunità che mi perdo se mi metto a controllare e possedere tutti i risultati.

Julian Roberts
Julian Roberts

ZR – Come viene spiegato nel paper The Piracy Paradox, i cartamodelli non sono prottetti da copyright nella moda perchè la possibilità della copia permette di passare velocemente da uno stile all’altro, dagli “early adopters” alle masse. Questo processo aiuta la domanda costante di novità beneficiando l’intera industria come ha illustrato anche Johanna Blakely in una recente presentazione. Lo scorso agosto però il senatore americano Chuck Schumer ha introdotto la proposta di legge chiamata
Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act” per estendere le protezioni del copyright anche all’industria della moda. Qual’è la tua opinione a riguardo?

JR – Copiare potrebbe essere considerato uno stimolante per il rinnovamento generale e che movimenta la moda e lo stile in generale, portando sempre più in là la domanda e spingendo gli stilisti a stare sempre un passo avanti, ma per i designer che cominciano la loro impresa vivendo su budget ristretti penso sia difficile per loro guardare da questa prospettiva più ampia. Quando ti indebiti e metti tutte le tue risorse in un prodotto che non puoi proteggere.
Sembrerebbe ingiusto essere copiati e tutti sono impazienti di mostrare il proprio lavoro per diventare famosi e influenti.

Io sono un designer con un brand molto piccolo e non mi curo molto dell'”intera industria” della moda, , potrebbe crollare e bruciare per quanto ci tengo. I brand più grandi più si distanziano dalla manifattura, più abbassano i costri di produzione e più il loro marketing si riempie di merda.
Reputo importante l’esperienza personale nel progettare e fare, e trasferire le idee. Sono contento di essere piccolo, personale, diretto e con i piedi per terra. Se qualcun altro vuole fare profitto dalle mie tecniche, sono felice che abbiano voglia di provare, non sono possessivo con le idee creative, voglio che siano condivise e che gli altri le usino e che ne abbiano di proprie.

To be continued…


Interview with an engaged fashion designer

Disneyland_can_wait by Self-passage
Disneyland_can_wait by Self-passage

(segue in italiano)

In the previous post, some days ago I talked about the work of designer Otto Von Busch and shared some resources about his work. Now the interview is ready, in italian and english. Enjoy it!

Zoe Romano: In your book Fashion-able you talk about “engaged fashion design”. What are its main characteristics in theory and practice in comparison with classic fashion design?

Otto Von Busch: What I call classic fashion design, what is still mainly taught at fashion schools and what we meet in media, is still very much based on the cult of the genius, or the divine creator. In this sense fashion is still a true believer in “intelligent design”, defying any notion of evolution. Fashion generally refuses to see that every part of the industry and every new look is built upon and refers to someone else’s work, in very specific details. This, together with the self-centered personality cultivated at fashion school, creates a system with very little social awareness.

Engaged fashion design tries to break this isolation and self-centeredness. Here the idea is rather to use fashion as a tool to spread agency to consumers, rather than the designer retaining agency to him/herself. The designer can use fashion to help participants become empowered and use fashion as an arena for co-authorship, rather than only stand “downstream” and only choose from and buy what the system provides. The role of the designer becomes more of a community builder and facilitator spreading agency and skills rather than an exclusive artist.

However, a question I often receive is “shall designers become social workers?” No, it is important to acknowledge that the skills of the designer are very important, because it is with them that you engage people. You are still a designer, perhaps somewhat inspired by pedagogic, development practice, social work, community building – and you still design! One question is: “What social resources and assets can my design mobilize during production and use?” Another is “How can my design advance the knowledge and skills of people who produce or wear it?” – “Can this garment empower people more than just through the eyes of others?
The question is not if everyone should become a designer, but rather anyone. How do we orchestrate such facilities for the Everyman through our skills as fashion designers?

Italyan Avlusu
Italyan Avlusu

You also talk about collaborative moments that become moments of empowerment and self-enhancement because it’s not only about sharing an experience, but also the possibility of building on the shared work of others. Can you explain more deeply these experiences and their relationship with the concept of “copy”?

I usually use the metaphor of hacking to explain these ideas. The idea is not to turn off the machine, or destroy it to build another. Rather the skills of the hacker are situated in the craft and knowledge to tune the machine and make it do new amazing things. The engaged fashion designer can use the “power” of fashion, trends and beauty and spread it to more people.

Here it is important to acknowledge the big fashion system, the haute couture and high fashion. This is still where most fashion expressions or “dreams” are produced, and this is still what powers fashion and gathers the greatest skills and money. But not all designers have to strive to design for the top. Just like not all programmers have to work for Microsoft. Rather, in software many programmers build on Linux systems instead. But these Linux programmers use the success of Microsoft as a tool to get closer to users, and today most Linux distributions somehow look like the Office package – and that is what most people use their computers for. Linux is not something totally different, but simply an open operating system. Similarly we can say that fashion hacktivism is just like fashion – but open, engaged, inclusive. It looks like fashion, but the operating system’s kernel is very different.

This can make us rethink our relations to copies. Fashion is built on references and copies. Indeed, a trend is a massive wave of anonymous cross-references and copies. But from my experience people coming to redesign workshops are not there to copy stuff, but rather to study the “codes” of fashion. Giana Gonzalez and her project Hacking-Couture.com is a beautiful example of this, where people reverse engineer the “source code” of famous brands and pimp their old clothes in this style. They study, remix, and sample but they never do copies.
Likewise, in many of my workshops the feeling has been that we all for a kind of temporary design studio, an own scene for an evening. To use the words of Brian Eno we can say that engaged fashion design moves from the focus on the “genius” to the “scenius” – to the shared scene of collaborative innovation.

abstract machine of hacktivism
abstract machine of hacktivism

In a recent talk, Sir Ken Robinson addressed the problem of educational institutions. Schools and universities are often teaching topics and practicing a type of teaching that doesn’t engage students anymore because it lost the connections with the transformations of the outside world and the way modes of production are evolving , because the current system of education was designed and conceived for a different age. How do you see this critique, with the focus on fashion schools?

Fashion schools are generally in some connection to the art academies, and even at the most technical schools the students look towards the elevated artists in the field. The education is entirely focused on producing pieces and stand before a jury alone. The student defends her projects individually with a collection, no cotton farmer, producer or user is there. The garment or collection should “speak for itself”. This is still the backbone of all education in cultural fields like art and design.

It is just over the decade questions about ethical production, ecological materials etc have seriously come into education. Fashion design still pretends it has no interest in user studies, or focus groups. It is the marketing department who works with that, not the designer – the designer stands above all such banal matters. This is still the approach from fashion, even though the social media landscape has totally transformed how a new generation interacts and communicates.

So, yes, fashion education needs to rethink, especially these days when fashion has become such a popular phenomena. A lot of students think they know what fashion is already before starting fashion school, and this means they only reproduce the same during their time at university. Fashion schools need to encourage new models of presenting fashion, not only collections and catwalk shows. We see far too little experimentation.

Which type of major changes do you think open hardware and open software will bring to fashion creation and production? Can you give us some practical example?

The FabLabs we see among the hacker community will also come to fashion. Open source pattern programs and the possibility to print fabric in a domestic ink-jet printer will also change the way fashion is produced. The processes of hacking embroidery machines and using laser cutting for fabric is also still only in its infancy. With more accessible infrastructure, like in the world of computers, I think we will see more of a pro-am or wiki-economy grow. And then we haven’t looked at the whole swapping or recycling scene; the million of tons of clothes going to the dumps every year will be a huge resource for new approaches to what design is and where in the product chain it happens.

(see fablabs on wikipedia and this previous post about fabrication)

from selfpassage.org
from selfpassage.org

Obsolescence is the main mechanism of creating wealth in an industry of low intellectual property protection on items as fashions. Copying garments (not logos!) is allowed as long as trends can move faster and people are used to throw away stuff each season. Isn’t environment paying the price for this freedom?

Yes, the environment pays the price. But I think we must be careful when addressing sustainability and not come too fast to the conclusion that all garments should last longer or that we should “slow down” fashion. The speed of fashion today is perhaps not something coming from fashion itself, but from society in general. We must ask; “which speeds do we want and need?” – and also; “which values stimulated by fashion do we still want to have around?

Can we create systems which still supports fashion, but does this without environmental impact? I usually use the example of the hairdresser when discussing this: we go there every month, but perhaps not only to get the hair cut. We also do it for updates about the community, gossip and a little massage. We feel cared about and we come out transformed. It does so with little environmental impact. What can fashion design learn from that? What other inspirations can we have to transform the way we think about fashion?


It’s important and i’m glad that this interview ended with some open questions because we should all feel included in a process of change that is already happening. It’s exciting and engaging because the future is open and more and more people can influence the direction to take.


Disneyland_can_wait by Self-passage
Disneyland_can_wait by Self-passage

Nel post di qualche giorno fa ho parlato del lavoro di Otto Von Busch e ho condiviso alcune risorse relative al suo lavoro. Ora è pronta l’intervista in inglese e italiano. Enjoy it!

Zoe Romano: Nel tuo libro Fashion-able parli di “fashion design impegnato”. Quali sono le sue caratteristiche principali sia teoriche che pratiche in confronto al fashion design più classico?

Otto Von Busch: Ciò che chiamo fashion design classico è quello insegnato principalmente nelle scuole di moda e che vediamo nei media, ancora molto basato sul culto del genio, del creatore divino. In questo senso la moda crede fermamente nel “progetto intelligente” rifiutando qualsiasi nozione di evoluzione. La moda generalmente rifiuta di vedere che l’industria della moda e ogni nuovo look sono costruiti a partire dal lavoro di qualcun altro, anche in dettagli specifici. Questo aspetto, insieme alla coltivazione di una personalità incentrata sul sè delle scuole di moda, crea un sistema che ha una consapevolezza sociale molto limitata.

Il fashion design impegnato cerca di rompere questo isolamento ed egocentrismo. L’idea è di usare la moda come strumento per diffondere l’azione nei consumatori, piuttosto che riservare l’azione per sè. Il designer può usare la moda per aiutare i partecipanti a prendere coscienza delle proprie capacità e usarla come un’arena per la co-autorialità, piuttosto che farli rimanere semplicemente a valle e scegliere di comprare quello che il sistema offre. Il ruolo del designer diventa quindi più quello di facilitatore e costruttore di comunità che diffonde capacità di fare e competenze, invece di essere solo un artista.

Una domanda che mi fanno spesso è: “Ma i designer diventano così assistenti sociali?”. No, le capacità del designer sono molto importanti perchè è con quelle che coinvolgi le persone. Sei ancora un designer ma con una pratica ispirata dalla pedagogia, dal costruire socialità e comunità – e ti occupi ancora di design! Un’altra domanda è “Quali risorse e beni sociali può il mio design mobilitare durante l’uso e la produzione?” Oppure “Come può il mio design migliorare la conoscenza e le capacità delle persone che lo producono o lo indossano? – “ Può questo vestito accrescere le persone non solo attraverso gli occhi degli altri?” –
La questione in gioco non è se tutti devono diventare designer, ma piuttosto se ciascuno lo potrebbe diventare. Come possiamo orchestrare questa possibilità per l’uomo-qualunque attraverso le nostre conoscenze di fashion design?

Italyan Avlusu
Italyan Avlusu

Poi parli anche di come i momenti collaborativi diventino anche momenti di presa di coscienza delle proprie capacità e crescita personale perchè non è solo una questione di condividere un’esperienza, ma anche la possibilità di costruire a partire dal lavoro di altri. Puoi soffermarti su queste esperienze e sulla loro relazione con il concetto di “copia”?

Uso spesso la metafora dell’hacking per spiegare questi concetti. L’idea non è di fermare la macchina, o distruggerla per costruirne un’altra. Le capacità dell’hacker sono situate nella conoscenza e nella manualità di sintonizzare la macchina e farle fare nuove fantastiche cose. Il fashion designer impegnato può usare questo potere della moda, dei trend, della bellezza per diffondersi in molte più persone. Qui è importante capire la distinzione tra il sistema moda, l’haute couture e l’alta moda. In questi spazi si producono I sogni e le espressioni della moda, ed è questo che rende potente la moda e le fa accentrare i migliori talenti e la maggior parte dei soldi. Ma non tutti i designer devono battersi per raggiugnere il top. Così come tutti i programmatori devono lavorare per Microsoft. Anzi, nel software molti programmatori preferiscono Linux.

Ma i programmatori di Linux usano il successo di Microsoft come strumento per avvicinarsi agli utenti, e oggi, molte distribuzioni di Linux assomigliano al pacchetto Office – perchè questo è quello per cui la maggior parte degli utenti usa il pc . Linux non è qualcosa di totalmente differente, ma semplicemente un sistema operativo aperto. Allo stesso modo possiamo dire che il fashion hacktivism è proprio come la moda – ma aperto, coinvolgente e inclusivo. Sembra come la moda, ma il cuore del sistema operativo è molto diverso.

Questo ci fa ripensare la nostra relazione con la copia. La moda si costruisce sulla citazione e la copia. Ma ogni trend è un’enorme onda di citazioni anonime e copie. Dalla mia esperienza, le persone che vengono ai workshop di re-design non sono lì per copiare, ma per studiare i “codici”della moda. Giana Gonzales e il suo progetto Hacking Couture è un bellissimo esempio di questo approccio dove le persone fanno reverse-engineer dei “codici sorgente” di marchi famosi e abbelliscono i loro vecchi vestiti seguendo questo stile. Studiano, rimixano, campionano ma non copiano mai.
Allo stesso modo, in molti miei workshop la sensazione è che siamo tutti in uno studio di design temporaneo, dominiamo la scena per una sera. Per usare le parole di Brian Eno, possiamo dire che il fashion design impegnato sposta l’attenzione dal “genio” allo “scenius”(genio collettivo), la scena condivisa dell’innovazione collaborativa.

Italyan Avlusu
Italyan Avlusu

In un intervento recente Sir Ken Robinson ha messo in evidenza il problema delle istituzioni educative. Scuole e università stanno spesso insegnando materie e mettendo in pratica una modalità di insegnamento che non riesce più a coinvolgere gli studenti perchè ha perso la connessione con il mondo esterno e il modo in cui I modi di produzione si stanno evolvendo. In quanto il sistema educativo era stato pensato e concepito in un contesto completamente diverso. Come vedi questa critica spostata nel campo delle scuole di moda?

Le scuole di moda sono generalmente in una qualche relazione con le accademie di arte, e anche nelle scuole più tecniche gli studenti guardano agli artisti al vertice in quel campo. La formazione è interamente indirizzata nella produzione di pezzi che stiano da soli di fronte a una giuria. Difendono il loro progetto individualmente con una collezione e nessun coltivatore di cotone, produttore o consumatore è li con loro. Il vestito o la collezione deve“parlare da sè” Questo approccio è la spina dorsale di tutta l’educazione culturale, sia nell’arte che nel design.
E’ solo in questi ultimi dieci anni che e questioni riguardanti la produzione etica, I materiali ecologici, etc sono seriamente entrati in campo nella formazione. Il fashion design pretende ancora di non aver alcun interesse negli studi sugli utenti e I focus group. E’ il l’area marketing che affronta il problema, non il designer – il designer si pone oltre tali banali questioni.

abstract machine of hacktivism
abstract machine of hacktivism

Che tipo di cambiamenti pensi che l’open hardware e software porteranno alla produzione e creazione di moda? Puoi darci degli esempi pratici?

I fablab che vediamo tra la comunità hacker arriveranno anche nella moda. Programmi non proprietari per I cartamodelli e la possibilità di stampare tessuti con una stampante a getto di inchiostro domestica cambieranno il modo in cui la moda viene prodotta. Insieme ai processi di hacking intorno alle macchine ricamatrici e l’utilizzo di laser che tagliano la stoffa che ora sono ancora all’inizio. Penso che l’accesso ad infrastrutture, come succede ora nel mondo dei computer, farà crescere una wiki-economia di professional amateur. Senza contare tutta la scena dello scambio e del riciclo; milioni di tonnellate di vestiti che vanno nella pattumiera ogni anno, diventeranno un’enorme risorsa per nuovi modi di approccio al design e dove questo si manifesta nella catena produttiva.

from selfpassage.org
from selfpassage.org

L’obsolescenza è il maggiore meccanismo di creazione di ricchezza in un’industria dove c’è basso controllo della proprietà intellettuale sugli oggetti prodotti, come è la moda. Copiare abiti (non il logo!) è permesso affinchè le mode si diffondano più in fretta e le persone si abituano a cambiare stile ogni stagione. E’ l’ambiente che sta pagando il prezzo di questa libertà?

Sì, l’ambiente paga il prezzo. Credo che dobbiamo prestare attenzione quando parliamo di sostenibilità perchè non dobbiamo affrettarci alla conclusione che tutti gli abiti dovrebbero durare più a lungo e che sia necessario “rallentare” la moda. La rapidità della moda oggi è forse qualcosa che non viene dalla moda in sè, ma dalla società più in generale. Dobbiamo chiederci: “Quale velocità vogliamo e abbiamo bisogno di andare?” – e anche “ quali valori stimolati dalla moda vogliamo continuare a mantenere?”.

Possiamo creare dei stistemi che anora supportano la moda ma che lo fanno senza un impatto ambientale? Quando discuto questi argomenti di solito mi aiuto con l’esempio del parrucchiere: andiamo lì ogni mese ma forse non per farci tagliare I capelli. Ci andiamo per avere aggiornamenti sulla comunità, ascoltare qualche pettegolezzo e farci fare un massaggio. Ci sentiamo coccolati e ne usciamo trasformati. Lo stesso accade quando riusciamo ad avere poco impatto ambientale. Cosa può imparare la moda da ciò? Quali altri ispirazoni possiamo avere per trasformare ciò che pensiamo della moda?


Credo sia importante e sono contenta che questa intervista termini con alcune domande aperte perchè dovremmo sentirci tutti inclusi in un processo di cambiamento che è già in corso. Sento questo percorso stimolante e coinvolgente perchè il futuro e aperto, e sempre più persone possono determinarne la direzione.

Hacking design and fashion with Otto

Cover picture of ”Fashion-able"
Cover picture of ”Fashion-able\”

(segue in italiano)

Three years ago, in an interview with We Make Money not Art, Otto Von Busch talked about “fashion renegades” as the people using unconventional strategies to modify the fashion system in order to injecting liberation and empowerment in its channels:

This is what makes hackers similar to heretics; they oppose the hierarchical role of the interpreter, administrator, or author, but not the power itself – code or faith. The heretic is not an atheist, but someone hacking the institutional and hierarchical interpretation of the faith. Like the hacker, modder, or tinkerer the heretic is keeping the power on, not renouncing or opposing the core or energy of a system. Using faith for liberation and empowerment.

Interpreted in this way the sewing machine can become a tool for liberation, and fashion is transformed int a collective experience of empowerment, of sharing methods and knowledge of craft.

I’ve been in touch with Otto through email in the last year to share with him our work in progress with Openwear and to involve him in some of our future activities. His work as fashion theorist and hacktivist was a great source of inspiration for my personal and collective activity.
I’m preparing 5 questions to send him for a short interview to publish on this blog and to share with you what he’s been up too recently. In the meanwhile I wanted to show you a couple of resources useful to give you an idea of what it means to mix hacking and design:

A video about one of his workshops on upcycling:

And here you can download a web version (in PDF) of his thesis called: ”Fashion-able: Hacktivism and Engaged Fashion Design”, where he explores artistic research projects around fashion that unexpectedly become a form of social activism.

Fashion-able cover
Fashion-able cover


E qui potete scaricare la versione web (in PDF) della sua tesi di dottorato intitolata: ”Fashion-able: Hacktivism and Engaged Fashion Design”, dove esplora alcuni progetti artistici intorno alla moda che in modo inaspettato diventano una forma di attivismo sociale (e parla anche di Serpica Naro, l’associazione con base a Milano di cui faccio parte).

Fashion-able cover
Fashion-able cover