Innovation and ready made in Mons

For Mons 2015, the Maison du Design organised Innovation & Ready Made, a festival that reflected on the conservation and effective use of expertise and products. The goal was to stimulate discussion about new production models, responsible innovation, sustainable development and the role we can play in our environment as citizens, designers, students and so on. Open source, the maker movement, do it yourself and 3D printing was the focus of our reflections.

Through a round table and participatory conferences, Innovation & Ready Made addressed issues related to the evolution of manufacturing technologies, new production models, the life cycle of a product and the future of industrial production in a sustainable development framework.

I took part to a debate on September 25th titled: “Manufacturing technologies, new production models and product life cycles” moderated by Giovanna MASSONI, Design Consultancy and Curator – Designstreams and together with: Continue reading Innovation and ready made in Mons

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Shaping the Future of Digital Social Innovation in Europe

dsieurope

In 2013 I was invited by Nesta to join the Advisory Group to advise on a major new policy study on digital social innovation in Europe. The study has been looking at grassroots civic innovation enabled by the internet, and at how social innovation is being enabled by the “network effect” of the Internet and new open innovation models.

The study has been run by Nesta, in partnership with the WAAG Society (NL), ESADE (SP), IRI (FR), and Future Everything (UK) and it has been exploring how emerging technologies in the digital economy can transform society by the mobilisation of collective action, enable a more collaborative economy, new ways of making, citizen participation, sustainability and social innovation.

In February I’ll be in Brussels to discuss lessons from the 18-month research and the future of DSI in Europe. Continue reading Shaping the Future of Digital Social Innovation in Europe

Julian and Subtraction Cutting – part 2

(segue in italiano)

Here’s the second part (read the first part) of the interview to professor and designer Julian Roberts, exploring open-source, zero-waste and interdisciplinarity. Enjoy!

Zoe Romano – Do you think open-source and technology (like osloom.org, low cost laser cutting, 3d printers ) are going to change how fashion mainly is conceived and produced?

Julian Roberts – It’s definitely changing things already. As 3D printing becomes more accessible and the materials available to print in become more precious, durable and tactile, then it’s suitability to fashion is likely to rapidly grow. Currently they are useful tools for accessory and jewelry design, small component manufacture used in textile embellishment, and for integrating technology into textiles. I’m sure it will also transform both weaving and garment construction too in the very near future.

The fact that 3D printing is layered from the ground upwards from an aerial viewpoint is of great interest to me and the way i construct clothes. Laser cutting/etching too has great potential for textile designers and garment technologists, as well as for the design of accessories, jewelry and shoes. The more accessible these manufacture processes become to the public, the more DIY and unschooled their application will become, in much the same way that many lithographic and printing processes have now become easily accessible to the public, and transformed the way we all visually communicate through printed media. In education also these new technologies help close the gaps between subject disciplines, as well as allowing users to escape the confinements of universities and workshops, with the tools instead ending up in local shops, garden sheds or on the end of your desk. This liberates design.

If 3D printers, laser cutters and other open source technology can be designed in the infancy of these new technologies to save energy, recycle waste materials and inspire sustainable and ethical manufacture, then they will also become tools that will survive beyond just being technological marvels. Machines need to solve real problems, not just do things that haven’t been done before or boggle the mind.

ZR – Zero waste pattern-making brings sustainability principles into fashion production and eliminates that 15%/ 20% of the fabric usually thrown away. Are you bringing this issue also in your fashion projects?

JR – I have just sent a garment and pattern to be exhibited at the ‘Yield‘ exhibition at the New Dowse Gallery in Wellington New Zealand which runs from 26 March – 26 June 2011 before moving on to New York. It’s an exhibition curated by two fantastic zero-waste cutters Holly McQuillan from Massey University NZ and Timo Rissanen from Parsons New School NYC. For the exhibition i created a ‘Zero-Waste Sub-Cut Dress’ that is exhibited alongside any scraps of waste/threads that were left over during the manufacture of the garment (less than 1%). This waste is what I’d call ‘necessary waste’, needed to make the design better, but I wanted to exhibit it and let the viewer make up their own minds as to how wasteful the design is. The importance of Zero-Waste is very much open to debate, and that debate is very much worth having, as it gives designers more to think about.
The text that accompanies the exhibit reads: “This is a ‘minimal waste’ garment, made from 7 meters of fabric, which some people might consider excessive! The flat pattern for this dress was constructed directly into the cloth from memory, so the digital paper patterns have been made afterwards for display purposes, and were never actually used. All the leftovers scraps are exhibited alongside the garment because it’s important to weigh up all the losses, to decide how much waste is acceptable, and whether the finished outcome is worth all the costs. After all, a garment is made for wearing not just designing. The proof of the pudding is always in the eating, not the cooking.”

Subtraction Cutting can work very well with Zero-Waste garment cutting concepts, particularly if one considers that a hole can be made from a lazer or scalpel cut line, rather than subtracting fabric to create negative spaces. Also, any holes created can be intelligently shaped so that the pieces that are removed become used to line the garment, form details, or become parts of other garments.
This allows you to pattern cut multiple garments within one designed pattern, so that perhaps for every 10 subtraction dresses cut, there are also 4 jackets jigsaw-pieced together from the subtracted debris. Suddenly there are new possibilities to explore!
But designers must never be frightened to make mistakes, work by trial and error, or create multiple prototypes before reaching conclusions.. these are not wasteful processes, but necessary in honing and improving good design. Some waste must always be factored in and allowed to happen. Some waste is good waste, and we can learn a lot from our creative mistakes.

julian roberts
julian roberts

ZR – Interdisciplinarity is the field where most of the innovation happens. For example when programmers meet with fashion designers, or crafters meet with fablabbers. One of the main challenges that we are facing though, is the attempt to find ways of communication beyond diverse cultural backgrounds, disciplines and educational levels. When did u experience interdiciplinarity? What are the positive and negative aspects of it?

JR – Although in education and industry we divide and departmentalize creative disciplines from each other into separate specialisms, so that menswear becomes divided from womenswear, fashion from textiles, graphics and fine art seen as being different from each other and from fashion or film, and the sciences distinctly different from the humanities and arts….. but actually there are NO REAL DIVISIONS. You are free to trespass into other disciplines/departments in which you may not have training, and nothing to stop you assimilating science into the arts, architecture into textiles, or film into the practice of fashion design. We seem to want to self-limit ourselves by discipline/specialism, when often our approach to subjects outside our experience/specialism might be intriguing/novel/revolutionary precisely because of our inexpert knowledge.

Interdisciplinarity is good if it increases curiosity between subjects and creates grey areas, but not if stops you exploring other creative specialisms yourself and extending the boundaries of your own design practice further. One of the most fulfilling international masterclasses I have given was in Mexico City at Centro University.
There i taught Subtraction Cutting to a mixed group of Fashion, Graphics, Product, Film and Architecture students, translated between English & Spanish. The response was diverse and fascinating. Rather than just fashion being made we also had film documentaries, performance art, brand development and inflatable SubCut sculptures filled with smoke. We even had miniatuized garments made to dress body organs… hearts, livers and lungs! I love that kind of unlikely response, the project goes where imagination pushes it.

I’ve also worked with mathematicians from the Royal Institution to develop soft geometry classes for high school kids that explore topology through fashion… geometry you can climb inside and wear. That was pretty surreal seeing as i failed GCSE Maths by ruining my maths paper!))
Working with textile designers is always interesting, when garment patterns are created around the motifs of emboidery/print/knit/weave, so that the garment shape grows organically from the textile design, rather than pattern cutting being a seperate discipline from it.

I’ve also worked with SuperSuper Magazine to bring together 5 designers, 5 bands/musicians, video projection, DJ’s and performance artists at shows at London Fashion Week. All unrehearsed, this kind of interdisciplinary collision is what makes London Fashion Week so exciting and different. London loses ground when it behaves itself and tries to emmulate New York, Milan or Paris. Of course in my own practice i have often combined fashion, textiles, graphics, film, web design, writing, and performance, but then i refer back to my original point… i see these things as being part of fashion, not separate from it. I seize these disciplines as being my own, and don’t need an expert telling me the right ways to make a film, make a logo, write a book or programme a website.

Fashion designers and students too often relinquish control of construction, styling and communication. It’s important not to allow collaboration andinterdisciplinarity to limit your creative scope or responsibility, by believing that experts can do the job better. Often they do not, they only do what they are comfortable doing.

I travel all over the world teaching garment cutting, and often this means i need to find new ways to communicate and overcome language barriers with large groups of people. But we often share a visual language where words can be dispensed with in favor of sketches, demonstration models, video projection and elaborate hand signals!
I would love to work with scientists and computer programmers/hackers on collaborative projects to build new machines and software for cutting clothes. I’d love to produce a creative machine that replaces fashion designers, and reduced the amount of crap design being made! 🙂

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Ecco la seconda parte (leggi qui la prima parte) dell’intervista al professore e designer Julian Roberts, dove esploriamo le potenzialità dei codici aperti, dello scarto zero e dell’interdisciplinarità. Enjoy!

Zoe Romano – Pensi che i codici e le tecnologie aperte (open-source) stiano per cambiare il modo in cui la moda è concepita e prodotta?

Julian Roberts – Sicuramente le cose stanno già cambiando. La stampa 3d sta diventando sempre più accessibile e i materiali disponibili stanno diventando più preziosi, durevoli e tattili, di conseguenza le opportunità di applicazione nelal moda cresceranno rapidamente. Attualmente ci sono già strumenti utili per il design di accessori e gioielli, per aggiungere piccoli componenti manufatti che abbelliscono i tessuti, e per integrare la tecnologia nel tessile. Sono sicuro che presto ci saranno trasformazioni importanti anche nella tessitura e nel modo in cui costruiamo gli abiti.

Il fatto che la stampa 3d avvenga appoggiando strati dal basso verso l’alto, con una veduta aerea, è interessante per il modo in cui anche io costruisco i miei abiti. Anche il taglio laser offre grandi possibilità per i designer tessili e i tecnici degli abiti, ma anche per chi progetta accessori, scarpe e gioielli. Più accessibili al pubblico diventano questi processi di manifattura, più DIY e non scolarizzato diventeranno le loro applicazioni. Un po’ come è accaduto per la stampa e la litografia trasformando il modo in cui noi tutti comunichiamo attraverso la carta stampata. Anche dal punto di vista educativo, queste nuove tecnologie aiutano a colmare i varchi tra le discipline, permettendo agli utilizzatori di andare oltre i confini delle università per ritrovarsi in negozi locali, garage o addirittura la propria scrivania. Tutto ciò libera il design.

Se le stampanti 3d, le macchine per il taglio laser e altre tecnologie aperte vengono poi progettate, sin dall’inizio, per risparmiare energia, riciclare materiali e favorire una manifattura più etica e sostenibile, allora diventeranno strumenti utili, oltre che meraviglie tecnologiche. Le macchine devono risolvere problemi reali, non solo fare cose mai fatte prima e farci sbalordire.

ZR – La creazione di cartamodelli a scarto-zero introduce i principi della sostenibilità nella produzione di moda cercando di limitare anche quel 15-20% di stoffa che di solito viene gettata. Stai esplorando anche tu questo approccio nei tuoi progetti?

JR – Ho appena spedito un capo e un cartamodello per essere esposto a Yield, la mostra che si terrà alla New Dowse Gallery a Wellington in Nuova Zelanda dalla fine di marzo fino al 26 giugno 2011, prima di andare a New York. E’ una mostra curata da due fantastici cartamodellisti a scarto-zero: Holly McQuillan della Massey University in Nuova Zelanda e Timo Rissanen della Parsons New School a NYC. Per la mostra ho creato un ‘Zero-Waste Sub-Cut Dress’ che verrà esibito insieme ai resti di stoffa e fili avanzati durante la manifattura del capo (meno dell’1%).
Tale avanzo è ciò che io definisco “resto necessario” di cui abbiamo bisogno per creare un design migliore, ma volevo che i visitatori diventassero consapevoli e si rendessero conto di quanto sia sprecone il design. L’importanza dello Scarto-Zero è molto dibattuta ed è un dibattito che vale la pena avere perchè fornisce ai designer un tema su cui riflettere.
Nel testo che accompagna la mostra si legge: “Questo è un capo dallo “scarto minimale”, prodotto con 7 metri di stoffa, che molte persone considerano eccessivo! Il cartamodello per questo vestito è stato costruito direttamente nel capo a memoria, e di conseguenza il cartamodello digitale su carta è stato fatto successivamente per poter essere esibito ma non è mai stato usato. Tutti gli scarti sono in mostra insieme al capo perchè è importante dare peso a tutto ciò che si perde, per decidere quanto scarto è accettabile e se il risultato finale vale i suoi costi. Dopo tutto, ogni capo è fatto per essere indossato, non solo per essere progettato. La prova per capire se un dolce è sempre nell’assaggio e non nella cottura. ”

Il Subtraction Cutting lavora molto bene con i concetti che caratterizzano l’approccio Scarto-Zero, specialmente se si considera che un buco può essere fatto sia da un laser che da un bisturi, ancichè sottraendo stoffa per creare spazi negativi. Inoltre, ogni buco può essere sagomato in modo intelligente così che le parti rimosse diventano utili per creare dettagli o parti di altri capi.
Questo ti permette di tagliare capi multipli con un solo cartamodello, così che per ogni 10 capi a sottrazione, risultano anche 4 giacche-puzzle costruite a partire dai pezzi avanzati. Tutto ad un tratto ci sono nuove possibilità da esplorare!
I designer non dovrebbero essere mai preoccupati di fare errori, di lavorare per tentativi, di creare prototipi multipli prima di raggiungere il risultato finale. Questi non sono processi sprecati ma necessari per migliorare e levigare una buona progettazione. Qualche scarto è parte del processo di lavorazione e deve accadere. Qualche scarto è buono perchè possiamo imparare un sacco dai nostri errori creativi.

julian roberts
julian roberts

ZR – L’interdisciplinarità è il campo dove la maggior parte dell’innovazione si sviluppa. Per esempio quando i programmatori si incontrano con i designer o gli artigiani incontrano i makers. Una delle sfide che stiamo affrontando è proprio quella di creare relazioni tra persone con diversi background, che provengono da discipline e percorsi educativi diversi. In che modo hai sperimentato l’interdisciplinarità nel tuo campo e quali sono i suoi aspetti positivi e negativi?

JR – Nonostante nel sistema educativo e industriale tendiami a dividere le discipline creative in dipartimenti e specialismi separati, cosicchè la moda uomo, per esempio, si divide dalla moda donna, la moda dal tessile, la grafica e le arti divise dalla moda e dal cinema, in realtà non ci sono reali divisioni. Siamo liberi di andare e invadere altre discipline di cui non abbiamo ricevuto formazione, e niente puo’ fermarti nel far convergere la scienza con l’arte, l’architettura con il tessile.. Sembra che vogliamo limitarci quando spesso il nostro approccio a concetti al di fuori della nostra esperienza/specialità potrebbe essere intrigante/nuovo/rivoluzionario precisamente perchè abbiamo una conoscenza non specializzata.

L’interdisciplinarità è buona se fa aumentare la cuirosità tra soggetti e crea aree grige, e non ti fa smettere di esplorare altre specialità creative da solo ed estende i confini della tua pratica. Una delle masterclasses più soddisfacenti che ho fatto è stata a Mexico CIty nella Centro University. Ho insegnato il Subtraction Cutting a un gruppo misto di studenti di moda, grafica, prodotto, film e architettura, traducendo tra inglese e spagnolo.

La risposta è stata varia e avvincente. Non abbiamo prodotto solo moda ma anche documentari, performance, sviluppo di brand e di sculture SubCut gonfiate di fumo. Abbiamo anche creato abiti miniaturizzati per vestire gli organi del corpo… cuori, fegato e polmoni! Adoro questo tipo di risposta poco scontata, quando il progetto va dove l’immaginazione la trasporta. Ho anche lavorato con matematici della Royal Institution per sviluppare corsi di geometria soft per la scuola superiore che esplorano la topologia attraverso la moda…geometria in cui inerpicarsi e indossare.
Lavorare con i designer del tessuto è sempre interessante, quando i pattern sono creati attorno a motivi di ricamo/stampa/maglia/tessitura, così che la forma del capo cresce organicamente dal tessuto, piuttosto che tenerlo come disciplina separata dalla creazione del cartamodello.

Insieme a SuperSuper Magazine ho messo insieme 5 designer, 5 gruppi musicali, video proiezioni, dj e performer alla London Fashion Week. Tutto in modo estemporaneo, questo tipo di collisioni interdisciplinare è ciò che rende speciale e diversa la London Fashion Week. Londra perde la sua essenza quando cerca di emulare New York, Milano e Parigi.

Nella mia pratica ho sempre combinato moda, tessile, grafica, film, web design, … ma poi torno alle mie origini. Vedo queste cose come parte della moda, non separate da essa.

Julian and Subtraction Cutting – part 1

Julian Roberts
Julian Roberts

(segue in italiano)

Julian Roberts is a british fashion designer is the inventor of a garment pattern cutting method called ‘Subtraction Cutting’ and goes around the world on tour to demonstrate his technique.
He became Professor at the University of Hertfordshire (Hatfield) in July 2004 at the age of 33 becoming the youngest professor in the UK and now lectures at MA Mixed Media Textile at the Royal College of Art in London.
Subtraction Cutting is about designing with patterns, rather than creating patterns for designs and its basic premise is that the patterns cut do not represent the garments outward shape, but rather the negative spaces within the garment that make them hollow.

I interviewed him some days ago to discover a bit more about his approach and explore his point of view on  some other topics. Here’s the first part of the interview.

Zoe Romano – How would you describe Subtraction Cutting to someone who doesn’t know much about patterns but loves fashion ?

Julian Roberts –  Before you buy a garment and wear it,  it will have been touched by many skillful hands, but often the hand that touches it the LEAST is the hand of the fashion designer.
Design is too often staged, managed and made remote from manufacture: cutting and sewing is delegated or kept at arms length, far away from the glamourous boutiques and catwalk, the showroom or design studio. Sometimes it even happens abroad somewhere, in places we’d rather not visit or talk about.

I use Subtraction Cutting to show how design, cutting, sewing, visual promotion and trading can all link back up together closely, and prove the exceptional creativity within this extended manufacture process.

Subtraction Cutting is ‘designing in patterns’, rather than in vague illustrative drawings which become reinterpreted by other skilled cutters. It is an attempt to burst the ego bubble of fashion design by bring sewing, cutting and textiles closer together in a joined up way that respects the maker. A designer is usually the person who designs the outside view of a silhouette, and oversees the development of fit, detail placement and the balance of colour and fabrication.

I personally design the shape of the empty space within the garment, so that when you slip inside it you move through my cutting process, you are within the space i crafted, it is an inside viewpoint as much as an out. Every garment you buy is emptied of space before you wear it, flattened on a rail, or folded for display. It becomes dimentionally hollow the moment you try it on, allowing your body room to move inside.

Usually, as you slip a garment on, the view you see in the mirror is the same view the designer once drew or imagined before it was made: front facing, upright, turning to the left or right, perhaps doing a twirl.

But the viewpoint I design from is more likely to be above your head, looking down from an aerial view, or spiraling around the body. Subtraction Cutting is a moving, changeable viewpoint, an experimental method of making hollow shapes that allows for surpise discovery, risk and error. Sometimes when you go wrong, the really interesting design happens. You start to invent shapes that aren’t retro inspired or emulative of past or current styles.

Anyone can learn Subtraction Cutting in a few hours, including the customer. I want the wearer to not only own the garment, but also to be aware of how it is constructed and made, and perhaps even be inspired to try making their own version if they so wish. Sub-Cut garments can therefore be self-replicating.  The design secrets are exposed and open to exploration. It’s open source once you are shown the garments insides and its manufacture history.

It’s exciting to make your own style and clothes. To create something unique or push a design further than it has already been taken. Try it yourself!

Julian Roberts - London Fashion week
Julian Roberts – London Fashion week

ZR –  In one of your video lectures you say that inaccurancy added to the garment can make the design better. Can you dig a bit more into this concept?

As a trained designer, your reaction to anything new and unexpected is often initially one of concern, displeasure or shock. We often dismiss, avoid or trash things that waste our time, go wrong, or which don’t quite go the way we expect. But our creative certainty and expectations can be very limiting. The more we learn and the more qualified we become, the more we try to avoid error and become critical of mistakes that may jeopardize our objectives.

If i stand up in front of a group of highly skilled Masters degree students or professionally trained designers and say “Right, let’s make a collaborative garment collection together that will be ready to show in 3 hours from now!”,  they will tend to panic and worry about what is achievable of value within such a short time frame. They will often be cautious, or uncomfortable with the idea of being rushed into decision making where results are unpredictable. They might also feel worried about failing in front of their peers.

If I repeat the same thing at a school with a group of 12 year olds, then it’s likely everyone will cheer “Yayyyy!”, because they don’t know the rules and are simply excited to be doing something different that is outside their experience. Unschooled thought is less critical, less concerned, less self-defeating.

So I am very aware that my lengthy education comes at a real price. That i must compete in a world where better ideas may emerge from non-specialist sources, more hungry than i am for profit or fame, and more skillful precisely because they are not burdained by western academic thinking, quicker on their toes to take advantage of opportunities i might miss if i try to hard to control and own all the outcomes.

Julian Roberts
Julian Roberts

ZR – As explained in The Piracy Paradox paper,  patterns in fashion are not copyrighted because copying enables designs and styles to move quickly from early adopters to the masses. The copying of designs helps fuel the incessant demand for something new and also Johanna Blakely explained how low ip protection is beneficial to the whole industry.  Last august  Senator Chuck Schumer introduced the
Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act”  to extend copyright protections to the fashion industry. What’s your opinion on copyright in fashion?

JR – Copying may well be a stimulant to the general turnover and movement of fashion and style, hightening demand and pushing designers to keep ahead of counterfeiters, but to small startup designers living on the breadline and working on shoestring budgets i understand how it can be difficult to appreciate the bigger picture, when you’re in debt putting all your resources into product development that is unprotectable.

It can seem unfair to be copied, and yet everyone is so desperate to show their work become influential and famous. As a very small designer brand, I do not care a less about the ‘whole industry’,  it can crash and burn for all I care. The larger fashion brands get, the more detouched from manufacture they become, the more they drive down production costs, and the more full of shit their marketing becomes.

What is important to me is my personal experience of designing and making, and passing ideas on. I’m happy being small, personal, direct and close to the ground. If someone else wants to make profit from my techniques then I am happy for them to try, i am not posessive with creative ideas, i want others to share and use them and make them their own.

To be continued…

Julian Roberts
Julian Roberts

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Julian Roberts
Julian Roberts

Julian Roberts è uno stilista inglese, inventore di un modo per creare cartamodelli chiamata ‘Subtraction Cutting’ (taglio a sottrazione) e gira il mondo a fare dimostrazioni e corsi su questa tecnica.

E’ diventato professore alla University of Hertfordshire (Hatfield) nel luglio del 2004 all’età di 33 anni, conquistando il titolo di più giovane professore del Regno Unito e ora insegna al master Mixed Media Textile del Royal College of Art a Londra.
Subtraction Cutting significa progettare con i cartamodelli, invece che creare cartamodelli per un design. La sua premessa base è che i cartamodelli non rappresentano la forma esteriore del vestito ma piuttosto gli spazi negativi all’interno del capo, quegli spazi che lo rendono cavo.

Ho intervistato Julian qualche giorno fa per scoprire un po’ di più sul suo approccio e esplorare il suo punto di vista su altri argomenti che ci interessano. Qui di seguito trovate la prima parte dell’intervista.

Zoe Romano – Come descriveresti il Subtraction Cutting a qualcuno che non sa di cartamodelli ma adora la moda?

Julian Roberts – Prima dell’acquisto di un capo e prima che tu lo indossi tale vestito sarà toccato da molte mani capaci e quelle che l’hanno toccato meno sono proprio quelle dello stilista. Il design è troppo frequentemente costruito e gestito lontano dalla manifattura: tagliare e cucire sono delegati e mantenuti a distanza dalle sfilate e dalle vetrine glamour, dagli showroom e dagli studi di design.

Qualche volta ha luogo addirittura da qualche parte all’estero in posti che non visiteremmo o di cui parleremmo volentieri.

Io utilizzo il Subtraction Cutting per mostrare come il design, il taglio, il cucito, la promozione e il commercio possono essere strettamente collegati e provare la creatività eccezionale di questo processo di manifattura esteso.

Subtraction Cutting è “fare design nei cartamodelli”, invece che in vaghi disegni illustrati che sono interpretati da tagliatori professionisti. E’ il tentativo di far scoppiare la bolla egotica della moda portando il taglio, il cucito, il tessuto in un insieme che rispetta il maker, colui che fa.

Il designer è colui che disegna la parte esteriore della silhouette, e non bada troppo allo sviluppo della vestibilità, dei dettagli, del bilanciamento tra colore e costruzione.

Il mio stile personale consiste nel progettare la forma dello spazio vuoto del vestito, così che quando te lo infili, passi attraverso il mio taglio, sei dentro lo spazio che ho costruito. Si tratta di un punto di vista interno ma anche esterno.

Ogni abito che acquisti prima che lo indossi è svuotato di spazio, appiattito o piegato per essere mostrato. Diventa dimensionalmente incavo nel momento in cui lo indossi, creando spazio con il tuo corpo.
Di solito, quando ti infili il vestito, vedi ciò che lo stilista aveva disegnato e si era immaginato prima di essere fatto: vista di fronte, lato destro, sinistro, magari ruotando.

Ma il punto di vista da cui io progetto è più come se fossi sopra la tua testa, guardando dall’altro con una visione aerea, o muovendomi a spirale intorno al corpo.

Il Subtraction Cutting è un punto di vista che cambia e si muove, un metodo sperimentale per creare spazi vuoti che danno vita a sorprese, scoperte, rischi ed errori. Qualche volta proprio quando sbagli, prende vita il design più interessante. Inizia ad inventare forme che non sono ispirate da stili retro e non cercano di emulare stili passati o contemporanei.

Tutti possono imparare il Subtraction Cutting in poche ore, anche gli acquirenti. Voglio che chi indossa il capo non solo lo possegga, ma sia consapevole di come è stato fatto e costruito, e sia anche ispirato nel provare a crearne uno da sè, se lo desiderano. I capi Sub-Cut si possono autoreplicare. I segreti della progettazione sono visibili e aperti all’esplorazione. Diventa open-source nel momento in cui mostri le parte interne del capo e la sua storia di manufatto.
E’ eccitante creare il proprio stile e i propri vestiti. Creare qualcosa di unico o spingere un design più in là di quanto sia già stato fatto. Prova!

Julian Roberts - London Fashion week
Julian Roberts – London Fashion week

ZR – In uno dei tuoi video dici che un po’ di inaccuratezza può migliorare il design del vestito. Puoi esplorare un po’ di più questo concetto?

Ho studiato da stilista e la reazione rispetto al nuovo e all’inaspettato all’inizio si traduce spesso in preoccupazione, dispiacere e shock. Di solito respingiamo, evitiamo e buttiamo via le cose che ci fanno perdere tempo, sono sbagliate o non vanno nel modo che ci aspettavamo.
Ma la nostra certezza creativa e le nostre aspettative possono diventare molto limitanti. Più impariamo e più qualificati diventiamo, più cerchiamo di evitare l’errore e diventiamo critici rispetto agli errori che potrebbero mettere a repentaglio i nostri obiettivi.
Se mi trovassi di fronte ad un gruppo di studenti di master altamente qualificati o di fronte a designer professionisti e dicessi ” Bene, facciamo una collezione collaborativa insieme che possa essere pronta per uno show fra 3 ore da adesso!”, andrebbero in panico e si preoccuperebbero del risultato da raggiungere in quel tempo cosi’ limitato. Sarebbero cauti e non a proprio agio con l’idea di essere spinti a prendere decisioni affrettate con un risultato imprevedibile. Potrebbero anche essere preoccupati di fallire di fronte ai loro pari. Ma se ripetessi l’esperimento davanti a una classe di dodicenni, è più probabile che si mettano a esultare “Evviva!”. perchè non sanno le regole e sono semplicemente eccitati di fare qualcosa di diverso lontano dalla loro esperienza. Il pensiero non scolarizzato è meno critico, meno preoccupato, meno controproducente.

Così mi rendo conto che l’aver studiato molto implica un prezzo da pagare. Devo competere in un mondo dove le idee migliori possono giungere da fonti non specialistiche, più bramose di di fama e profitto, e quindi più capaci perchè non limitate dal pensiero accademico occidentale. Più veloci nell’approfittare delle opportunità che mi perdo se mi metto a controllare e possedere tutti i risultati.

Julian Roberts
Julian Roberts

ZR – Come viene spiegato nel paper The Piracy Paradox, i cartamodelli non sono prottetti da copyright nella moda perchè la possibilità della copia permette di passare velocemente da uno stile all’altro, dagli “early adopters” alle masse. Questo processo aiuta la domanda costante di novità beneficiando l’intera industria come ha illustrato anche Johanna Blakely in una recente presentazione. Lo scorso agosto però il senatore americano Chuck Schumer ha introdotto la proposta di legge chiamata
Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act” per estendere le protezioni del copyright anche all’industria della moda. Qual’è la tua opinione a riguardo?

JR – Copiare potrebbe essere considerato uno stimolante per il rinnovamento generale e che movimenta la moda e lo stile in generale, portando sempre più in là la domanda e spingendo gli stilisti a stare sempre un passo avanti, ma per i designer che cominciano la loro impresa vivendo su budget ristretti penso sia difficile per loro guardare da questa prospettiva più ampia. Quando ti indebiti e metti tutte le tue risorse in un prodotto che non puoi proteggere.
Sembrerebbe ingiusto essere copiati e tutti sono impazienti di mostrare il proprio lavoro per diventare famosi e influenti.

Io sono un designer con un brand molto piccolo e non mi curo molto dell'”intera industria” della moda, , potrebbe crollare e bruciare per quanto ci tengo. I brand più grandi più si distanziano dalla manifattura, più abbassano i costri di produzione e più il loro marketing si riempie di merda.
Reputo importante l’esperienza personale nel progettare e fare, e trasferire le idee. Sono contento di essere piccolo, personale, diretto e con i piedi per terra. Se qualcun altro vuole fare profitto dalle mie tecniche, sono felice che abbiano voglia di provare, non sono possessivo con le idee creative, voglio che siano condivise e che gli altri le usino e che ne abbiano di proprie.

To be continued…